Quando você pensa que já viu de tudo, eis que mais uma surpresa nos aparece. E que grata surpresa perceber que existe muito bom gosto no inesperado. Assim é com o material escolar utilizado em objetos decorativos. Você já sabe onde ele está na foto acima? 

Aí está: são 78 réguas escolares de metal que formam a moldura do espelho sobre a lareira. Ficaram impressionados? Eu também. O trabalho é da moisacista Karen Johnston da Mosaicworks.ca, e não pára por aí. Vamos conferir?

Dica de decoração

Essa é outra das aplicações criadas pela Karen, e olhando assim, jamais diríamos que são réguas escolares. Você pode reproduzir e obter o mesmo efeito. A moldura do espelho e o painel foram feitos sobre um suporte de MDF, que você pode encomendar num bom marceneiro.

Junte muitas réguas de madeira furadas dos dois lados para receber parafusos.

Junte também parafusos e porcas para prender as réguas no MDF. As porcas ficam para o lado da frente, e fazem parte do design final.

A partir daqui é só mão-de-obra. 

É ou não é pura criatividade? Claro amigos, um trabalho bem feito e com capricho de artista, obtém resultados muitos mais impactantes. Assim, calma e precisão fazem a diferença.

Fica a dica, afinal precisamos olhar todos os objetos com um foco diferente.

Visitem também o site da artista, que é fera no mosaico e cria várias linhas de molduras, uma mais linda que a outra.

Fotos: Mosaicworks.ca

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Acreditem vocês, mas objetos velhos e usados são inspiração para lindos resultados totalmente novos. Estou falando de dois trabalhos de design que fazem o novo ficar parecido com o antigo e com o usado. Vamos conferir.

Primeiro vemos o trabalho do designer holandês Piet Hein Eek que se inspirou nas velhas tábuas de madeira de demolição para criar sua linha de papéis de parede. O resultado é aquela aparência rústica tão em moda e muitas vezes tão desejada para nossas decorações. São vários padrões: com tábuas coloridas, tábuas lisas, desenhos e formatos irregulares. Cada rolo custa 169 euros e eles enviam para o Brasil. Interessados? Acessem o site Scrapwood Wallpaper e confiram os modelos.

Assim vamos percebendo como o design interfere em nossa vida diária nos trazendo não só praticidade como aconchego e conforto sem perder o charme das coisas simples.

A lição que nós artesãos precisamos aprender é que o design torna os objetos mais úteis, belos e mais atraentes aos olhos das pessoas. Pensar cada detalhe de uma peça sob o ângulo do design garante que ela conquiste mais facilmente seu espaço em nossos lares.

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Porque o design é transformador? Porque torna o motivo de sua inspiração um objeto útil e belo.

Você se imaginaria usando em sua casa um móvel com as formas de um cactus? Com certeza não se você apenas imaginasse um cactus cheio de espinhos. Mas o design observa esses espinhos e os transforma, criando peças de mobiliário encantadoras, cheias de nossa cultura e de nossa natureza.

O banco todo construído em madeira de demolição além de tudo é sustentável. Esse é mais um dos trabalhos dele que foi selecionado para finais de prêmios de design no Brasil e esteve exposto em Milão em 2010.

Mas Sérgio usou a natureza em outros dos seus desenhos. O Banco Carambola, por exemplo, surgiu do formato dessa fruta tão brasileira. Todo produzido em algodão natural, se compromete com a questão ecológica. O móvel multi-uso, na imagem acima, pode ser um banquinho, uma mesa e até mesmo uma luminária. É o design valorizando as funções de um único objeto.

O que eu quero ressaltar aqui é a capacidade que um bom designer possui de olhar o mundo ao seu redor e encontrar forma e função nas coisas mais inesperadas, e dessa maneira trazer para o nosso dia-a-dia riqueza em objetos harmoniosos e úteis.

Por esse motivo peças assinadas possuem o valor da criação dentro de si. Uma peça com design é sempre um bom investimento.

Conheça mais ideias geniais de Sérgio Matos visitando o seu site:  Sérgio J. Matos.

Fotos: Site de Sérgio Matos

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Que tal dar uma passadinha na loja do Bazar da Vila e ver aqueles colares lindos que temos lá?

Tem colares de tecido, as tetéias da Leíse França do Alegroartes.

Tem colares da designer Claudia Tejo, feitos numa técnica exclusiva de papel maché.

E tem colares despojados e alegres feitos em couro por Ivânia Barreto.

Passem lá pra ver outros modelos e lembrem: os valores das peças do Bazar da Vila são os mesmos praticados pelos artesãos, artistas e designers. São ótimas oportunidades de adquririr peças bacanas e diferentes por um precinho bem pequenininho. Saiba mais sobre o Bazar lendo aqui. E visite a loja clicando no banner abaixo:

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Bacana demais quando um profissional brasileiro ganha espaço e reconhecimento em sites internacionais por projetos com a cara do nosso país. Assim tem sido com Maurício Arruda, arquiteto formado em Londrina-PR, com sua coleção de móveis com design sustentável, intitulada José. Essa semana seu trabalho voltou a ser mencionado por um site de design, o Dezeen.

A Linha José criada por Maurício, foi toda inspirada em feiras livres, onde as mercadorias são transportadas dentro de caixotes plásticos, o item multiuso da coleção. Segundo Maurício, ao invés de gavetas que são fixas, o uso de caixotes abre a opção de transportar mais facilmente os objetos armazenados nos armários da linha. Você pode ir ao supermercado com o caixote e já chegar em casa com as coisas prontinhas para irem direto ao armário.

Além dos caixotes, que são feitos de plástico reciclado, a estrutura de madeira é pensada para obter o máximo aproveitamento das chapas, e usam madeira Teka de florestas manejadas. E para arrematar o design da linha, ainda buscando o ambiente das feiras, os pés dos móveis imitam o desenho dos carrinhos dos carregadores.

Bom, eu pessoalmente gostei demais do design inusitado e despojado das caixas plásticas. O conjunto ficou equilibrado e perfeito. Tudo a ver com a necessidade que temos de simplificar nossas vidas e tornar tudo verdadeiramente prático, concordam?

Quem quiser ver mais fotos é só conferir o blog do Maurício Arruda.

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Você adora peças artesanais feitas com cabaças? Eu também. Vamos fazer um projetinho básico, para iniciantes, compartilhado conosco pela Pam do Gingerbread Snowflakes, que vai deixar você familiarizado com essa superfície bárbara que é a cabaça. Depois você pode alçar voos mais longos e desenvolver seu próprio estilo.

São dois projetinhos com os quais você pode criar enfeites para móbiles, árvores de natal e arranjos de centro de mesa. Vamos usar cabaças bem pequenas. O formato não importa muito, mas tente escolher as peças menores.

Também vamos precisar de: lápis preto lápis coloridos canetas hidrográficas coloridas verniz para o acabamento

Antes passem nesse outro artigo e confiram como se prepara a cabaça para o projeto.

A maneira mais simples de decorar uma pequena cabaça é com as canetas hidrocor.

Desenhe flores sobre a superfície da cabaça na composição que mais lhe agrade.

Preencha os desenhos com as canetinhas coloridas.

Para dar um realce em suas flores, faça o contorno delas com canetinha preta. Use uma caneta com ponto fina para dar um melhor resultado.

Finalize passando uma camada de verniz para dar brilho ao seu projeto.

Agora vamos ver como fica usando lápis colorido. A vantagem desse material é que você pode criar desenhos com degradês e esfumaçados, o que dá um charme todo especial ao trabalho.

Da mesma forma como o anterior, desenhe os riscos com lápis preto das flores que você quer pintar.

Preencha os espaços usando os lápis coloridos. Para dar volume, use o branco.

A cabaça não tem uma superfície perfeitamente lisa. Para que os coloridos fiquem bem cobertos, use um cotonete para colorir os pequenos buraquinhos que houverem.

Aqui foram usados o vermelho, o rosa e o branco em cada pétala. Use o cotonete para dar o efeito de esfumaçado e misturar as cores.

Faça os contornos com a caneta hidrocor preta de ponta fina. Desenhe galhos e outros arabescos para dar mais graça ao seu projeto.

Novamente, finalize com a camada de verniz para dar brilho. Lindo, não?

Agora você deve estar se perguntando: onde eu compro cabaças? Leia aqui.

Agradecemos à Pam do Gingerbread Snowflakes.

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Para Morris, todos os objetos deveriam deixar clara a identidade do seu artesão-artista (olha o designer aí gente), que teria no seu trabalho, também uma fonte de prazer, e esta deveria despertar contemplação em seu futuro dono. O operário da fábrica também seria o criador dos seus próprios objetos, desde o desenho até a execução final. Morris imaginava que se fosse dessa maneira, as pessoas das classes mais baixas poderiam ter em casa peças de qualidade, não só no material, mas na beleza das formas e na praticidade de suas funções. Acreditando firmemente nisso, uniu-se a mais alguns nomes importantes da época e fundou a Morris, Marshall, Faulkner & Co., uma empresa especializada em mobiliário e decoração em geral.

A empresa até que teve vida longa, mas o que aconteceu foi que tudo o que se vendia lá só era acessível à classe alta. Entretanto, do outro lado do oceano, nos EUA, as coisas fucionaram diferente. Sem o radicalismo do tudo ou nada artesanal, um tal Gustave Stickley, criava móveis unindo detalhes artesanais ao processo industrial. Resultado: vendeu, mas vendeu muito para a classe média americana que tava doidinha pra gastar seu dinheirinho capitalista em objetos bonitos e que durassem para sempre. Aí, para mim está um dos grandes nomes desse movimento, Gustave Stickley, de quem falaremos em seguida.

Nem tudo no Arts & Crafts foi passageiro, pois a sua idéia principal tornou-se a raíz da Art Nouveau e mais tarde a arte, o artesanato e o processo industrial tornaram-se a base do importante movimento conhecido como Bauhaus. Tudo isso nos próximos artigos.

Fotos: Wikipedia, Arts & Crafts Home

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Sabemos que o movimento Arts & Crafts nasceu e cresceu na Inglaterra a partir de 1860, através de William Morris. Ele desejava que a arte e o fazer artesanal fossem o instrumento de uma reforma social que trouxesse às classes baixas melhores condições de vida. Mas sua empresa jamais conseguiu ser acessível para essas classes. Entretanto, nos EUA, já no final dos anos 1800, surgiu um designer nova-iorquino, adepto do Arts & Crafts, Gustav Stickley. Nesse país o movimento foi chamado de Mission and Craftsman, ou Missão e Artesão, mas o estilo era aquele importado da Inglaterra. Suas características eram fortemente influenciadas pela maneira artesanal vinda das áreas rurais, ou seja, do interior. Suas linhas geométricas, simples, quase sem detalhes decorativos buscavam antes a resistência natural dos materiais utilizados, especialmente a madeira, e assim eliminava tudo que fosse supérfluo. Mesmo assim apareceram detalhes como pássaros estilizados, folhas e plantas, sempre sob a influência do artesão rural.

Mantendo o estilo inglês do Arts & Crafts, Stickley conseguiu realizar com sucesso o ideal que Morris jamais alcançou. Stickley não foi tão radical, e aproveitava o processo industrial para construir peças básicas dos seus móveis, deixando para os artesãos os detalhes e o acabamento. Isso reduzia muito o custo e aumentava a produção, assim o resultado foi óbvio. Stickley fabricou um mobiliário resistente e prático, que atendia às necessidades de uma classe média que recém entrava no mercado de consumo. Teve tanto sucesso que sua empresa, existe até hoje, reproduzindo com tecnologias atuais, todos os desenhos que ele deixou. É só dar uma olhadinha nas imagens, todas criações de Stickley.

O Arts & Crafts teve sua maior importância no fato de ter sido desencadeador dos movimentos que o seguiram como o Art Nouveau e o Modernismo dentro do design gráfico, da arquitetura e do design industrial. Além disso, sua filosofia influenciou posteriormente o nascimento da Bauhaus, importantíssimo movimento que também era contra a produtividade anônima e valorizava as estruturas das pequenas comunidades de artesãos- artistas. Tudo isso veremos mais adiante.

Espero que vocês estejam percebendo como o artesão é figura importante em todas essas etapas históricas. Esse é o objetivo desses artigos sobre a história do design. Contribua com sua opinião. Escreva.

Fontes: Arts & Crafts Stile, Access Decorati

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Hoje quero dividir com vocês uma dica um pouco diferente das habituais, mas que considero muito útil, o ColourLovers. Vocês vão ver porquê. O ColourLovers não é exatamente um site, é uma comunidade que compartilha experiências de cores e suas combinações, onde cada membro apresenta ao grupo as suas inspirações e preferências, além de comentar e votar as combinações de cores de outros membros. O ColourLovers coloca no ar as várias tendências de cores que estão acontecendo agora, em tempo real, mundo afora.

Pensem em como essa comunidade se tornou uma importante ferramenta para designers, arquitetos e artistas de todos os tipos, que procuram visualisar um conjunto de cores que se adapte ao projeto que estejam desenvolvendo, seja ele um anúncio, um produto ou uma obra artística mesmo. E tem também vários artigos sobre o tema além de fóruns de discussão. Você não precisa ser necessariamente membro do grupo para dar uma olhada nas paletas existentes, mas vale à pena cadastrar-se e ter acesso completo ao site. Não custa nada e leva só um segundo.

Lá vocês encontrarão soluções para as combinações de cores dos seus blogs, por exemplo. Eu, junto com o Marcelo, encontrei a minha nova apresentação para a Vila do Artesão lá no ColourLovers. E agora, também somos fonte de inspiração para um dos membros, o Braga, um designer que criou uma paleta chamada Buriti (aí ao lado) depois de um passeio aqui nas páginas da Vila do Artesão. Legal né? Eu achei.

Quer ir até lá? É por aqui o ColourLovers.

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É gente, crescemos, aprendemos, evoluímos, nos tornamos competitivos e adultos sérios, profissionais respeitados, mas dentro de nós a criança precisa se manter viva, senão esse adulto vai para as cucuias. Criativamente falando, então, adulto sem alma de criança, não é nada, é ZERO. E assim é com um bom designer, pensa seus objetos com clareza, praticidade e outras “ades” e “ezas” mais, mas lembra que infância é o que determina a qualidade da vida adulta. Nesse caso, asas à imaginação: vamos brincar pois brincar cria adultos saudáveis. Quero mostrar para vocês o que alguns desginers por aí afora criaram para incentivar as crianças a sonhar, imaginar e inventar. São vários brinquedos diferentes, mas o que percebo neles, é que todos estão voltados ao objetivo de fazer a criança imaginar a brincadeira. É uma volta ao passado, um passado revisitado. Sem pilhas nem efeitos tecnológicos, mas cheios da magia da infância. O brinquedo em si não importa, é apenas um instrumento. Instrumento de vida e alegria. Quer coisa mais simples e divertida do que uma bola? Jamais haverá um brinquedo tão envolvedor quanto uma bola. Hoje e sempre uma bola e brinquedos como ela, reunirão em torno de si muitas crianças.

Vamos ver o que há de novo no velho?

Para começar a cabana Kiddo, criação da Modern Cabana, com paredes de quadro negro e rolo de papel para desenhar. Os brinquedos de cortiça com rodinhas e os bichos de papelão de Ben Blanc, as tatuagens temporárias de Héctor Serrano, as réplicas de pelúcia dos bichinhos de estimação de Amélia Santiago e a bicilceta sem pedais da Wishbone Bike. Se vocês prestarem atenção, todos esses são brinquedos feitos com material ecologicamente correto nos moldes dos brinquedos de antigamente. Não seriam talvez uma nova postura por um futuro melhor para nossas crianças? Vamos fazer nossa parte.

Vamos brincar……..!!!!! Feliz Dia das Crianças !!!

Fontes: Cabana Kiddo, Corkels de Ben Blanc, Tatoos de Héctor Serrano, Bichos de Amélia Santiago e

Bicicleta da Wishbone Bike

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A coisa toda começou a tomar forma após o séc. XVI, pois até então o poder de um nobre se traduzia pela quantidade de ouro que exibia nos dedos e nas terras que possuía. A partir da segunda metade do séc. XVI, ter certos objetos bem específicos, feitos por mestres artesãos conceituados, também passou a ser sinônimo de status e poder. Um exemplo conhecido foram os famosos Gobelins, aquelas tapeçarias cheias de cenas com detalhes que já eram produzidas na França, naquele momento. Se você fosse importante de verdade, tinha um gobelin em sua aristocrática residência. Assim também aconteceu com algumas porcelanas e cristais que se tornaram valiosos. O resumo disso tudo é que foi necessário para alguns desses artesãos, pensar seus objetos, torná-los desejáveis por esses nobres. Isso abriu espaço para um profissão que assumiria elevada condição social, os artistas enquanto diretores de criação. É, eles não sabiam mas já eram designers. Outras áreas ampliaram sua importância nessa época, como das gráficas com novas diagramações e ilustrações em livros.

Certo então, isso tudo era claramente destinado à faixa “muito-muito-bem-de-vida”  que tinha dinheiro e podia ostentar tais luxos. Mas com o aumento da população nas cidades, houve necessidade de reformular esses objetos, adaptando-os para uma classe média que estava louca para consumir. A mesa de jantar, que era um móvel ainda recente, ganhou status dentro das casas, e outras peças, como a escrivaninha, alteraram hábitos e relações de trabalho. A Revolução Industrial trouxe muitas modificações para a sociedade inclusive dando maior acesso às tais peças assinadas que eram, para todos, objetos de desejo. Interesse comercial entre artesãos e consumidores, fome e vontade de comer, a profissão de designer começa a tomar forma.

Por essa época, idos de 1754, um dos mestres artesãos famosos se chamava Thomas Chippendale. Saiba na sequência quem foi e porque foi importante.

Fotos: Wikipedia e Sutkus

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Isso mesmo, Thomas Chippendale foi o primeiro plebeu a ter todo um estilo de móveis chamado por seu nome. Até então os homenageados eram monarcas, como Luis XV, George I, Queen Anne e por aí vai. Mas tem motivo. Nascido na Inglaterra, filho de marceneiro, tinha muita visão para os negócios e exata noção do valor da auto-promoção. Era um mestre marceneiro como o pai e seu estilo era uma mistura dos estilos inglês, francês e chinês de mobiliário. A grande idéia surgiu em 1754 quando lançou o primeiro de três livros, o Gentleman and Cabinet-Maker’s Director, que era na verdade um catálogo onde ele apresentava seus modelos de mobiliário adaptados ao estilo da época. O que aconteceu em seguida foi que todos os marceneiros logo compraram o seu livro e começaram a repetir o seu estilo. Isso aconteceu de tal maneira que todos os móveis de meados do séc. XVIII ficaram conhecidos como Chippendale, e muitas vezes nem eram. Olha o poder da publicidade. A verdade é que ele construiu um nome com o livro, sendo procurado por muitos clientes ricos para a confecção desse mobiliário totalmente artesanal.

O estilo Chippendale começa na madeira maciça, especialmente o mogno, que ele importava das Índias. Os estofados eram com brocados, veludos e damascos. Muito influenciado por Robert Adam, com quem trabalhou, seu estilo é uma mescla do rococó, do gótico, do estilo chinês e do neoclássico. Do estilo Queen Anne usou as pernas cabriolé (torneadas) em suas cadeiras, com entalhes nos joelhos e pés estilo bola-e-garra e pata-de-leão. As costas estofadas ou com as tiras do encosto ricamente entalhadas, e os ornamentos com florões, conchas, leões e arabescos, no acabamento laca oriental eram os detalhes que o caracterizaram como um mestre das linhas curvas.

Chippendale foi assim um dos primeiros nomes de referência no design, pela qualidade do seu trabalho, pela atitude visionária e por um história de sucesso que durou mais de 60 anos.

Fotos: Access Decorati, The Antiques Almanac e Find a Grave

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